纽约Q Art画廊举办中国摄影师作品联展

Intimate Distance

位于纽约布鲁克林区的画廊Q Art将于11月8日-17日举行题为《亲密距离》的摄影展。展出摄影作品近50件,来自九位侨居美国的华人摄影师,他们是S.LiuSUI ZhijieWANG PingAnn XIANGXIE HuafengZHANG ChuZHANG JinKen ZHENGZHENG Yaohua。年轻、丰富的旅行经历、全球化的思考方式、信心十足且富于表现力,这样的特点使得他们有别于那些社会现实主义(Social Realism)、媚俗主义(Kitsch)与流行(Pop)主义的艺术家们。个人体验与情感是他们所关注的创作源泉。去国离家的生存体验造成了他们作品中潜藏的挥之不去的乡愁,在中西方艺术与文化的双重熏陶给予了他们更加广阔的视野以及多样的手法与风格。这样的背景交织为本次影展作品中丰富的内涵底蕴。

与母国天然的距离加之与寄居国心灵上的距离,常使这些摄影师以旅者或浪子的身份自居。这种内心压抑的孤独与寂寞,飘荡在空无一人的优美城市风光中。同时,这种表面的隔断也使得摄影师们有机会去探寻自己心中最私密的记忆,形成更强烈的自我存在意识。这种摄影师与被摄主体之间的贴近及其有意识的美学选择把摄影师与景物、摄影师与观者放到了一个更为亲密的距离之上。

这一展览,犹如辞藻华丽的视觉诗篇,使我们彷徨在似即若离之间,迷失与此时此地,宛若游荡在旧时别处。

时尚摄影真人秀

The Shot美国电视台VH1即将在本周末开播最新真人秀节目《拍摄(The Shot)》,这是一部以摄影师成长为主题的真人秀节目,总共八集。十位摄影师将在著名时尚摄影师拉塞尔·詹姆斯(Russell James)的指导下进行为期三十天的比拼来争取成为美国最红的年轻时尚人像摄影师。

在为期三十天的节目制作过程当中,所有十位摄影师以及工作摄制人员将一同居住在洛杉矶市区的一栋公寓楼中,进行学习与拍摄。他们的老师拉塞尔·詹姆斯曾为《时尚(Vogue)》、《世界时装之苑(ELLE)》、《玛丽嘉儿(Marie Claire)》、《体育画报(Sports Illustrated)》、维多利亚的秘密等公司机构服务。在这三十天的时间里,这十位年轻人将有机会接触到世界上最顶尖的模特、最专业的图片编辑以及这个行业里各方面的顶尖专家,这不光是对他们的摄影水平与创意能力的挑战,同时也是对他们人际关系处理等各方面能力的挑战。所有这些都为了一个目的,拍摄一张完美的照片。

每一集里面将包含一个技术挑战环节,拉塞尔将会展示一项新的拍摄技术或创意技巧,以及相应的照片,供参赛的年轻人现场学习。随后一个由拉塞尔主持的评审团将会在所有参赛者中选出一个最弱的予以淘汰。对,是直接淘汰,没有无聊的PK环节,也没有短信复活什么的。目前已经确定的评审团成员包括《玛丽嘉儿》的时尚主编詹纳·罗伯茨(Zanna Roberts)以及维多利亚的秘密的发型师伊塔诺·葛雷里欧(Italo Gregorio)。

最后的获胜者将获得由赞助商凡士林(Vaseline)提供的十万美元奖金,以及作品被《玛丽嘉儿》杂志与维多利亚的秘密产品目录选用的机会。

Obvious & Ordinary: America 2006

Obvious & Ordinary: America 2006
马丁•帕尔(Martin Parr)与约翰•戈塞其(John Gossage)联合出版了一本42页的小册子《美国 2006(America 2006)》,作者署名显•凡(Obvious &Ordinary)。

画册选材于两人06年夏天驱车前往孟菲斯拜访威廉•艾格斯顿(William Eggleston)途中所拍摄的照片,这也就是画册名称的由来。

尽管照片拍摄与两人结伴同车的同一旅程,但是所拍摄的照片确是迥异的。两人的镜头极少指向同一个场景,而多在各拍各的。马丁•帕尔的作品更多去专注与色彩万千的美国社会,而约翰•戈塞其则把目光投向那些日常生活中被忽略的平常事物。约翰•戈塞其的沉愉勾起我们心中的悲剧感,而马丁•帕尔则用灯红酒绿将这种不快冲散。两人就如两首互异的旋律,却在这种怪异的巧合之中奏响了一曲不凡的音乐。

这本画册限量发行1500本,其中美国750本欧洲750本。美国售价30美元,欧洲售价17.5英镑。这也是目前印量最少的马丁•帕尔作品集之一,因此有很高的收藏价值。想要的就下手吧,哈哈。

最后提一句,这本画册是在中国设计印刷的,如果谁能知道是哪一间印刷厂干了这件事情,不妨在向他们致敬的同时,顺便问问有没有私下加印几本。

Kelby的影像处理偏好

NAPP(全美Photoshop专业协会)的主席,大胖子Scott Kelby昨天在博客上发表了一篇文章,我的照片处理偏好,迅速就在摄影圈以及后期圈被转载(名人效应就是不一样啊)。原则有七点,这里简要写一下,后面顺便跟上了一点点评语。

  1. 我不是很喜欢裁剪,那样会让我自己觉得自己是一个取景白痴。
    呃,不知道是谁在书里面写了一堆如何用裁剪调整透视的教程的。
  2. 如果照片里有什么多余的东西,我绝对会把它干掉。
    这个和我习惯差不多。
  3. 尽管我会移除多余的元素,但是我不喜欢加新的元素,这让我觉得是在欺骗。
    实在不明白,如果愿意去掉东西,为什么不能加上东西。
  4. 尽管我不喜欢加新的元素,但是我不介意复制照片中已有的元素
    以上三点加在一起,我只能说,名人都是有奇怪的癖好的。
  5. 我会尽量把照片处理的如同我拍摄时的感受。
    恩,看来胖子是一个很好的纪实摄影师。
  6. 我从来不做二次处理或者使用特效滤镜。
    前面这一点或许各人看法不同,不过后面这一点对于照片处理来说,确实是永恒的真理。
  7. 如果是处理人像照片我会把他处理成最好的状态。
    呃,原文胖子还提到,如果是处理他自己的照片,他一定会雇佣一个工作组来完成这个工作,直到把他处理得像乔治•克鲁尼一样。作为一个年薪两千万美元的胖子,这么做还真有道理。

事实上,不同人处理照片的态度,就是一个人看待摄影的态度,特别在处理自己照片的时候。一个人的处理习惯是可以看出一个人所追求的照片效果,以及所理解的摄影的。那么大家处理图片上面又有什么样的偏好呢?收集一下,或许我会写一篇关于不同工具与处理手段和对影像态度关系的文章出来。

多媒体影像札记

纽约时报多媒体编辑安德鲁·德唯嘉(Andrew DeVigal)在美国全国新闻摄影师协会的五十周年巡回培训课上进行了关于多媒体叙事基础——静态影像与声音的讲座。“声音是多媒体赐予的厚礼”,他提到。“这是让摄影作品多媒体化最快速也是最廉价的方式,值得去学习。”德唯嘉谈到了如何使用影像与声音的结合去加强叙事,如何在一个团队之中进行多媒体制作的沟通与协作。“制作完美多媒体叙事的关键是选择合适的故事,”德唯嘉说。“你需要不停的去问自己:人物是否棱角分明?叙事性是否明晰?是否有艺术感染力?故事是否动人?我们是在用特殊的角度去讲述一个故事还是仅仅的把故事过一遍?主题是否在自我成熟,自我表白?有时候声音能够独立于影像,成为故事的轴心与推动力量。”

在讲话中他还提到了逆光老师也曾经提到过的美国在线新闻大学,认为这是一个最佳的在线多媒体学习站点,我个人比较推荐上面的“多媒体报道:报道突发事件(Multimedia Reporting: Covering Breaking News )”这门课,这也是我上周在看的。这里有他们的一个完整课程列表,其中的在线与多媒体部分(ONLINE, MULTIMEDIA)部分都值得一看。

另外说到多媒体,推荐两个近来做得不错的多媒体在线报道,一个是澳洲新闻频道的危机中的文明(Culture in Crisis),讲述即将被文明所毁灭的澳洲原住民文化的故事。一个是华盛顿时报的凯瑟琳·海因斯(Katherine Hayes)的Diagnosing Love, EnergyMonumental Stories,不过可能需要穿墙浏览。

Ansel Adams 400 Photographs

安塞尔·亚当斯的新书,《安塞尔·亚当斯的四百幅摄影作品集》与今天面世发行。作为世界上最为著名的风光摄影师,安塞尔·亚当斯一生的时间创作了无数优美的作品,而在此之前,从未有过一本书如同这本书一样收集了亚当斯所有时期内的重要作品。所有作品按照年代编排,划分为五个主要的创作时期。同时还有大量的文章介绍亚当斯的生平、作品及其技艺的演进。

全书440页,售价40美元,可谓价廉物美。同时在亚马逊上还能够以26.4美元的折扣价格购买,因此有兴趣的朋友可以开始行动了。

新彩色摄影·第二章

第二章,彩色摄影的形式

大多数艺术史,形式永远是首要的,而内容与材料则居次要地位。

(摄影师们)非层次性(non- hierarchical)的构图方式在很大程度上与非写实性(non-representational)的绘画方式有着一致的视觉原则。与此同时,摄影与光学之间不可分割的联系又使其不同于现代派理想的自主艺术(autonomous artwork)。

形式主义者们将实实在在的物体与相互的气场当作整体视觉表现的一个个交织的片段。

每一张照片都代表了真实世界的林林总总在视觉可能性上的一次完美协作。最终的结果是所有的物体及相互之间的气场组成的连续视觉平面,紧密相扣,犹如一幅完美的拼图。

出众的作品永远不会立即显现,因此这样的期待往往是徒劳的。由于新的形式在探求画面每一个部分的充分协调,而非华丽的一跃(grand jeté),因此不少观者开始感觉到无趣。——莎莉·奥克莱尔(Sally Eauclaire)

继续阅读“新彩色摄影·第二章”

Tenax的第一卷照片

 这个周末终于抽空把大约四个月前买的Tenax拍摄的第一卷胶卷扫描了。这卷胶卷扫描了以后一直在醒目手上放到上周,我才终于找他拿了过来,不容易啊。虽然是N年以前的老机器了,但是色彩依旧是没有话好说。上几张片片满足一下虚荣心。照片因为尺寸的问题可能显示有锯齿,如果装了火狐以及Access Flickr!插件的,请直接去我的flickr相册看吧。谢谢花儿开了的插件,让我能够在博客上正常显示flickr的照片,插件最近已经升级,在用的同志一起去下载新版本吧。

SQUARE 继续阅读“Tenax的第一卷照片”

图像通用许可系统

Plus Logo对于商业摄影师而言,对于作品的使用范围描述永远是一件令人感到头痛的事情。有的摄影师害怕过于严肃的描述语言会让自己在那些花言巧语的含糊其辞面前丧失竞争力;而又有摄影师害怕太过宽泛的描述语言使得自己的利益遭受损害。同时客户在五花八门的用途描述面前,也会常常感到迷茫。PLUS就是在这样的环境下应运而生的。

PLUS是图像通用许可系统(Picture Licensing Universal System)的简称。这一系统类似于目前常见的创作共用协议(Common Creatives,后被官方定名为知识共享协议),但是更适用于摄影师或者插画人员的商业活动。

PLUS规定了一系列的词汇以及一个被称作Media Matrix的机读数据表示法,用来描述作品的适用范围、年限、语言等一系列商业规范。这些数据能够被集成到图像的元数据之中,从而便于图片库以及商业使用。摄影师可以使用简洁的PLUS Pack来进行常规的图像授权,例如印刷品广告授权(PAPA),市场活动材料授权(PAMM),网络及电子媒体授权(PAWE)等。也可以使用被称作媒体选择器的在线工具来生成标准化Media Matrix数据,然后可以使用解码器将其生成为使用范围描述。

使用这套系统的好处是显而易见的,如果所有的摄影师都使用相同的规范,那么不论是客户或者是摄影师,也就没有必要在描述语言的圈套里面绕过来绕过去。如果大家都基于同一个标准来讨论,那就是双赢。

目前PLUS已经得到了AdobeIPTCPDNDIGIMARC,五角设计以及盖蒂图片社等机构与公司的支持。

新彩色摄影·第一章

奥克莱尔的《新彩色摄影》一书被划分为八章,共收集了四十八位艺术家的作品。

第一章,彩色摄影崎岖的早期年代

在第一章里,奥克莱尔(Eauclaire)提出这样的观点——尽管彩色摄影已经诞生了一百余年,但是作为一种艺术形式,直至二十世纪六十年代,依旧未走入成熟。她将其归结于色彩本身、摄影师在选材和拍摄上的失误以及由此造成的批评。

彩色胶片对于拍摄主题色彩表现过于夸张,同时面对现实世界中的惨淡色彩,很难完全将其把握。这样的原因使得这种表现形式一直陷在低迷。——莎莉·奥克莱尔(Sally Eauclaire)

让我们来看两则关于彩色摄影的批评:

对自然世界的拙劣模仿——拉斯洛·莫豪利-纳吉(Laszlo Moholy-Nagy)

彩色摄影家们的色彩就如同噪音。(他们的)色调就如同轰鸣的发动机让你难以忍受,如同用蓝色的电弧,红色的烈焰,绿色的毒药堆砌的激进爵士一样。——沃克·埃文斯(Walker Evans)

尽管伊文思在这里采用了否定的态度,但是我依旧喜欢他用音乐来给摄影打比方的方式。这更能够形容彩色摄影的可能性对我的诱惑。 爱德华·史泰钦(Edward Steichen)据说曾感觉到这种媒介太过“妖娆(coloriferous)”。我很喜欢史泰钦的这一说法。如果有人想要写个博客,我觉得这一定是个不错的名字。

奥克莱尔接下来谈到了米诺·怀特(Minor White)、安塞尔·亚当斯(Ansel Adams)、哈里·卡拉汉(Harry Callahan)等黑白摄影大师,他们曾经有过使用彩色摄影的经历。不过奥克莱尔称其“仅仅是为了满足好奇心而不是为了创作”,“相对来说不过是默默无闻的失败作品”。真感人的说法。

但或许最具洞察力的说法来自奥克莱尔的结论:

妨碍彩色胶片进入艺术领域的原则性问题在于其并非是如实的反映世界,而是将平淡的景象变成一付声色犬马的图景……直到1970年,彩色摄影师们依旧在摸着石头过河……当他们开始仔细的从自然世界中构筑画面的同时,他们学到了如何去征服镜头所构筑的色彩与空间世界……二十世纪七十年代,在先驱者们的不断努力下,探寻它的特殊所在,克服其缺点,并且尽其所能的时候,彩色摄影终于迎来了自己的时代……成为了有着自己的艺术语言的独立艺术形式。——莎莉·奥克莱尔(Sally Eauclaire)