第三章：打开天窗说亮话

《新彩色摄影》一书第三章开篇是这样一段话：

众多的摄影师对于摄影的理解仅仅只是拍摄照片——迷恋甚至沉迷于照片的视觉特性，这在专家眼里却显得一文不名。——莎莉·奥克莱尔(Sally Eauclaire)

在这一章里介绍了摄影师马克•科恩(Marc Cohen)的作品。科恩属于七、八十年代之中的顶尖摄影师，但是他的作品直到现在才得到了应有的重视。2004年，PowerHouse图书公司出版了科恩的第一本个人作品集，黑白画册《冷酷的街(Grim Street)》

谈到科恩的彩色作品：

他是一个随身携带相机并以拍摄为乐的人。其与被摄者之间的拍摄距离让被摄者感觉自己宛如被视奸。在闪光灯亮起的那一瞬间捕捉眼睛不及察觉的人群。——莎莉·奥克莱尔(Sally Eauclaire)

© Marc Cohen

© Marc Cohen

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第二章，彩色摄影的形式

大多数艺术史，形式永远是首要的，而内容与材料则居次要地位。

(摄影师们)非层次性(non- hierarchical)的构图方式在很大程度上与非写实性(non-representational)的绘画方式有着一致的视觉原则。与此同时，摄影与光学之间不可分割的联系又使其不同于现代派理想的自主艺术(autonomous artwork)。

形式主义者们将实实在在的物体与相互的气场当作整体视觉表现的一个个交织的片段。

每一张照片都代表了真实世界的林林总总在视觉可能性上的一次完美协作。最终的结果是所有的物体及相互之间的气场组成的连续视觉平面，紧密相扣，犹如一幅完美的拼图。

出众的作品永远不会立即显现，因此这样的期待往往是徒劳的。由于新的形式在探求画面每一个部分的充分协调，而非华丽的一跃(grand jeté)，因此不少观者开始感觉到无趣。——莎莉·奥克莱尔(Sally Eauclaire)

More on 新彩色摄影·第二章

奥克莱尔的《新彩色摄影》一书被划分为八章，共收集了四十八位艺术家的作品。

第一章，彩色摄影崎岖的早期年代

在第一章里，奥克莱尔(Eauclaire)提出这样的观点——尽管彩色摄影已经诞生了一百余年，但是作为一种艺术形式，直至二十世纪六十年代，依旧未走入成熟。她将其归结于色彩本身、摄影师在选材和拍摄上的失误以及由此造成的批评。

彩色胶片对于拍摄主题色彩表现过于夸张，同时面对现实世界中的惨淡色彩，很难完全将其把握。这样的原因使得这种表现形式一直陷在低迷。——莎莉·奥克莱尔(Sally Eauclaire)

让我们来看两则关于彩色摄影的批评：

对自然世界的拙劣模仿——拉斯洛·莫豪利-纳吉(Laszlo Moholy-Nagy)

彩色摄影家们的色彩就如同噪音。(他们的)色调就如同轰鸣的发动机让你难以忍受，如同用蓝色的电弧，红色的烈焰，绿色的毒药堆砌的激进爵士一样。——沃克·埃文斯(Walker Evans)

尽管伊文思在这里采用了否定的态度，但是我依旧喜欢他用音乐来给摄影打比方的方式。这更能够形容彩色摄影的可能性对我的诱惑。 爱德华·史泰钦(Edward Steichen)据说曾感觉到这种媒介太过“妖娆(coloriferous)”。我很喜欢史泰钦的这一说法。如果有人想要写个博客，我觉得这一定是个不错的名字。

奥克莱尔接下来谈到了米诺·怀特(Minor White)、安塞尔·亚当斯(Ansel Adams)、哈里·卡拉汉(Harry Callahan)等黑白摄影大师，他们曾经有过使用彩色摄影的经历。不过奥克莱尔称其“仅仅是为了满足好奇心而不是为了创作”，“相对来说不过是默默无闻的失败作品”。真感人的说法。

但或许最具洞察力的说法来自奥克莱尔的结论：

妨碍彩色胶片进入艺术领域的原则性问题在于其并非是如实的反映世界，而是将平淡的景象变成一付声色犬马的图景……直到1970年，彩色摄影师们依旧在摸着石头过河……当他们开始仔细的从自然世界中构筑画面的同时，他们学到了如何去征服镜头所构筑的色彩与空间世界……二十世纪七十年代，在先驱者们的不断努力下，探寻它的特殊所在，克服其缺点，并且尽其所能的时候，彩色摄影终于迎来了自己的时代……成为了有着自己的艺术语言的独立艺术形式。——莎莉·奥克莱尔(Sally Eauclaire)